Die Herausforderung in diesen Zeiten besteht darin, „zu unterscheiden, was im digitalen Bild real ist“: Rebeca Monroy
Die Herausforderung besteht heutzutage darin, die Realität im digitalen Bild zu erkennen
: Rebeca Monroy
▲ Bild von Francisco Barriga aus der Serie Ohne Titel (1979) und einer Feministin mit einem Schild, auf dem ein Foto desselben Autors zu sehen ist. Foto aus dem Buch
Angel Vargas
Zeitung La Jornada, Dienstag, 27. Mai 2025, S. 2
Die Historikerin Rebeca Monroy Nasr ist von der transformativen Kraft der Bilder in der mexikanischen Geschichte überzeugt: „Ich habe immer über die Macht der Fotografie nachgedacht.“ Bis die Menschen beispielsweise die Fotos der Toten und Verletzten aus dem Jahr 1968 sahen, glaubten sie entweder nicht, dass es tatsächlich passiert war, oder sie taten die Informationen als unwirklich ab
.
„Die Herausforderung besteht heutzutage darin, das Reale vom Digitalen zu unterscheiden“
, sagt der Forscher und Lehrer, der gerade „The Decisive Force of the Image: A View from Mexican Soil“ veröffentlicht hat, herausgegeben vom Nationalen Institut für Anthropologie und Geschichte (INAH), das vor einigen Tagen im Museum Archive of Photography vorgestellt wurde.
Dieses Buch – derzeit nur in elektronischer Form über digitale Buchhandlungen wie Google, Amazon und Gandhi erhältlich – erzählt einen Teil der Geschichte des Mexican Photography Council (CMF), einem Eckpfeiler der Entwicklung dieses Fachgebiets in unserem Land und Lateinamerika.
Die Entstehung, Entwicklung und der Niedergang dieser Institution, wie sie auf der Rückseite des Werks beschrieben werden, sind Teil der jüngeren Geschichte und man muss sie in eine andere Dimension bringen, um zu verstehen, wie sich dieser Berufsstand in jenen Jahren katapultiert hat
.
Rebeca Monroy wurde inmitten der sozialen Unruhen der späten 1970er Jahre zur Fotografin – zunächst als Soziologiestudentin und dann als Studentin der Bildenden Künste – und dokumentierte mit freier Hand Demonstrationen und Ereignisse der sozialen Bewegungen dieser Zeit. Sie ist eine von denen, die behaupten, ein Bild sage mehr als tausend Worte.
Dass ein Bild oft überzeugender ist als ein ganzer Text, halte ich für äußerst wichtig und wesentlich. Das ist die visuelle Seite. Bei der Fotostory muss man einen Kontext schaffen, damit sie mehr sagt als tausend Worte
, betont er.
Das Bild hat in seiner Beschaffenheit eine diskursive und entscheidende Kraft, weshalb es eine Welt darstellt, die in uns eindringt. Die Herausforderung besteht nun darin, zwischen aussagekräftigen Bildern unterscheiden zu lernen. Dies wird die Herausforderung sein, der wir im 21. Jahrhundert gerecht werden müssen.
Ein Meilenstein und neue Adern
Monroy sagt, dass dieses neue Werk entstand, als das Center for the Image die Sammlung, die es im CMF besitzt, einer Gruppe von Forschern zur Verfügung stellte. „Das war sehr interessant, weil sie alle verfügbaren Akten geöffnet haben, die sich aber niemand angesehen hatte“
, sagt er.
Wir luden mehrere Kollegen ein – darunter Karen Cordero und Laura González – und jeder von uns wählte ein Thema. Ich konzentrierte mich auf den Abschnitt über Mexiko-Stadt, an dem der Stadtrat hier gearbeitet hatte. Ich hielt es für sehr wichtig, seine Rolle im Hinblick darauf zu analysieren, wie es neue Wege eröffnet hat.
Denken Sie daran, dass das CMF Mitte der 1970er Jahre von sehr bedeutenden Persönlichkeiten gegründet wurde, die damals an der Spitze der Fotografie standen
, darunter Pedro Meyer und die Kunstkritikerin Raquel Tibol, mit der Absicht, mit Konventionen zu brechen
.
Vor diesem Jahrzehnt, erklärt er, wurde die Fotografie in Mexiko verachtet; es hatte zum Beispiel keinen eigenen Platz in der Presse. „Erst mit dem Aufkommen von Zeitungen wie Unomásuno (1977) und La Jornada (1984) entstand dieser neue Fotojournalismus, wie (der Historiker) John Mraz ihn nennt.“
Er behauptet, dass der Fotograf vor diesen Jahren immer dem Reporter untergeordnet gewesen sei und sein Name in vielen Zeitungen und Zeitschriften nicht einmal erschienen sei: Der Reporter habe den Text geschrieben und die Bilder lediglich illustriert. Wichtig ist, dass (mit der Gründung des CMF) die Fotografie begann, ihre eigene Grammatik, ihren eigenen Diskurs und ihr eigenes Leben zu entwickeln, nicht nur in Zeitungen, sondern auch in Ausstellungsräumen
.
Er betont: „Es war also ein sehr wichtiger Moment. Die Entstehung des CMF markierte einen Meilenstein in der Geschichte der Fotografie, der Presse und des Verlagswesens. Damit setzten Fotografen ein Zeichen, beendeten den Alltag, verteidigten ihren Namen und ihre Tradition und brachen mit der Vergangenheit, um eine andere Art von Geschichte zu schreiben.“
Die Historikerin stellt klar, dass sie damals zusammen mit anderen Kollegen, die heute zu den bekanntesten Persönlichkeiten der mexikanischen Fotografie zählen, wie Pedro Valtierra und Marco Antonio Cruz, zu dieser Gruppe gehörte, die bis zum Jahr 2000 aktiv blieb.
Ich war nicht Teil des Vorstands, daher ist es umso schöner, jetzt zu erkennen, dass es funktioniert hat
. Er fügt hinzu, dass die Veröffentlichung der Geschichte des CMF unter anderem einen Rückblick auf die Entwicklung des Berufsstands und der Fotografie in unserem Land ermögliche.
Er sagte, dass diese Institution Ausstellungen sowohl in institutionellen als auch in unkonventionellen Räumen organisiert, darunter auf Straßen und in der Alameda Central. Dies tat er auch mit der ersten Fotografie-Biennale des Landes und dem ersten Nationalen Fotografie-Treffen.
Besonders hervorzuheben seien die Lateinamerikanischen Fotografie-Kolloquien, die in der gesamten Region Netzwerke geschaffen hätten, die damals von grundlegender Bedeutung gewesen seien.
Es entstand eine sehr wichtige Verbindung zwischen der Zeit, als es in Südamerika strenge Diktaturen gab und wir in Mexiko eine gemäßigte Diktatur hatten: Es entstand eine sichtbare Komplizenschaft. Ungerechtigkeit, Ausbeutung, Korruption … all das war in unseren Ländern sehr ähnlich.
Sandkorn
Monroy weist darauf hin, dass diese Verbindung über die Grenzen Europas, der Vereinigten Staaten und darüber hinaus reichte. Er betont aber auch, dass er durch diese Recherchen den Kampf der Dokumentar- und Pressefotografen in jenen Jahren und ein Bedürfnis nach Ausdruck erkennen konnte.
Ich dachte, ich würde in den Archiven hauptsächlich dokumentarische oder journalistische Fotografie finden, aber es gibt viel experimentelle Fotografie. Dies zeigt, dass es viele Fotografen gab, die mit Bildern aus einer anderen Perspektive arbeiten wollten und Fotomontagen, Inszenierungen oder Landschaften erstellten.
Ein weiterer Punkt, den der Historiker hervorhebt, ist die große weibliche Beteiligung am CMF: Viele Frauen wagten sich in die Fotografie, ein privilegiertes Gebiet der Männlichkeit, insbesondere in der Presse. Lourdes Almeida sagte mir, dass sie ihre Vorschläge nicht berücksichtigt hätten
.
Sie ist jedoch der Ansicht, dass es den Autoren – wie auch Almeida selbst – gelungen sei, mit ihren intimen, reuelosen und grenzüberschreitenden Bildern Türen zu öffnen und sich zu behaupten. Laura Gonzalez malte männliche Akte, was damals sehr selten war. Eugenia Vargas, sehr harte Fotos, als ob Eingeweide zwischen den Beinen von Frauen hervorkämen; Adriana Calatayud erforschte das weibliche Gehirn, während andere junge Frauen mit großer Begeisterung kamen
.
All dies und noch mehr können wir mit „Die entscheidende Macht des Bildes“ ergründen. Das alles wurde im Archiv sicher aufbewahrt. Darüber hinaus gibt es individuelle Archive und einen Mini-Lehrplan der Fotografen. Darüber hinaus gibt es einen historischen Bericht über Pedro Meyer und das gesamte Team, das mit dieser großartigen Arbeit zur Sicherung von Dokumenten und Briefen begonnen hat
, erklärt Monroy.
Abschließend räumt er ein, dass es sich um ein Sammelwerk
handelt, da die 41 Fotografen, deren Arbeiten darin enthalten sind, dafür kein Geld verlangt haben. Wir alle sind hier und beteiligen uns mit unserem Sandkorn
.
Armando G. Tejeda
Korrespondent
Zeitung La Jornada, Dienstag, 27. Mai 2025, S. 3
Madrid. Das einzigartige und harmonische Universum von Paolo Veronese, dem vielleicht repräsentativsten Künstler einer der glanzvollsten Epochen der Menschheitsgeschichte, der Renaissance, wird zum ersten Mal in einer umfassenden Retrospektive im Prado-Museum in Madrid gezeigt. Dabei wurden einige seiner bedeutendsten Werke zusammengeführt, die über öffentliche und private Sammlungen auf der ganzen Welt, insbesondere in Italien, den Vereinigten Staaten und Spanien, verstreut waren.
Die Ausstellung „Paolo Veronese, 1528–1588“ zeichnet das Leben und die Ästhetik des Mannes nach, der als Maler der Maler
galt und im Laufe der Zeit zu einer Referenz für Künstler wie El Greco, Tiepolo und Rubens wurde.
Paolo Veronese wurde 1528 in eine Familie aus Verona in der Durchlauchtigsten Republik Venedig
geboren. Seine zeichnerische Virtuosität führte ihn zum Studium bei einem der großen Meister seiner Zeit, dem Maler Antonio Badile, der wiederum Tizian und Raffael als Vorbild hatte; Dies waren zugleich die ersten Beispiele, denen Veronese folgte.
Der Maler erlebte dank des sofortigen Erfolgs seiner Gemälde in der venezianischen Gesellschaft einen kometenhaften Aufstieg.
Trotz seines Lebens am Hof hat er seine Herkunft nie verleugnet und seinem Vater und Großvater, die beide Steinmetze oder Steinmetze (spezapreda) waren, auf subtile Weise Tribut gezollt, indem er einen Nagel in eine Marmorsäule schlug, der einen Riss verursachte.
Außerdem wurde er von der Inquisition wegen einer Komposition des Letzten Abendmahls angeklagt, die als respektlos angesehen wurde. Auf der Leinwand hat der Maler Soldaten, Affen und Papageien dargestellt. Zu seiner Verteidigung führte er an, dass sich Künstler dieselben Freiheiten herausnehmen wie Dichter und Verrückte
und den Raum mit allem füllen, was ihnen in den Sinn kommt
. Er wurde freigesprochen, musste den Titel jedoch in einen ändern, der besser zum festlichen Ton passte: „Dinner at Levi’s House“.
Mit dieser Ausstellung von 100 Werken vervollständigt das Prado-Museum die Untersuchung seiner Sammlung venezianischer Renaissance-Gemälde und schließt einen Zyklus ab, der mit „Die Bassanos im Spanien des Goldenen Zeitalters“ (2001) begann und mit „Tizian“ (2003), „Tintoretto “ (2007) und „Lorenzo Lotto: Porträts “ (2018) fortgesetzt wurde.
Im universellen Bilderolymp
Der Direktor der Ausstellung, Miguel Falomir, der neben dem Italiener Enrico Maria Dal Pozzolo auch als Kurator fungierte, erklärte, dass es sich um eine „wahrhaft einmalige Ausstellung handelt, dank Veroneses unermesslicher Eleganz und Schönheit, die ihm als Maler der Maler einen Platz im Olymp der universellen Malerei eingebracht hat, und dank seines Einflusses auf andere große Künstler wie El Greco und Rubens.“
Die Ausstellung umfasst die prägenden Jahre des Malers bis zu seinem Lebensabend, bevor er im Alter von 60 Jahren starb, was zu dieser Zeit als langes Leben galt.
Dal Pozzolo bemerkte, dass die Ausstellung die bildliche Intelligenz eines herausragenden Künstlers hervorhebt, der in der Lage ist, sein eigenes formales Universum zu erhellen. ein Künstler mit einem umfassenden Kunstbegriff, der unzählige ästhetische und kulturelle Bezüge umfasste, die er mit großer formaler und konzeptioneller Freiheit festhalten konnte. Er tat dies in einer für Venedig kritischen Zeit, als religiöse Spannungen aufkamen und sich die ersten Anzeichen eines wirtschaftlichen und politischen Niedergangs abzeichneten, die seine Pinselstriche meisterhaft kaschierten und so entscheidend dazu beitrugen, den Mythos Venedig in Bildern festzuhalten, der bis heute erhalten geblieben ist. Und wie alle großen Künstler übertraf Veronese seine Zeit
.
Um diese Stücke zusammenzutragen, bat das Prado-Museum um Leihgaben von Kulturinstitutionen wie dem Louvre-Museum in Paris. das Metropolitan Museum, New York; die National Gallery, London; unter anderem die Uffizien und das Kunsthistorische Museum Wien.
Sechs Kanten
Die Ausstellung besteht aus sechs abwechselnd chronologischen und thematischen Abschnitten. Der erste Teil, „Von Verona nach Venedig“, konzentriert sich auf die Ausbildung von Künstlern in seiner Heimatstadt und von mittelitalienischen Künstlern wie Raffael und Parmigianino.
Der zweite Abschnitt, „Maestoso Teatro: Architektur und Szenografie“, befasst sich mit seiner Art, Raum und Geschichtenerzählen zu verstehen, indem er die venezianische Tradition mit den Theater- und Architekturkonzepten von Palladio und Daniele Barbaro verbindet und sie mit der alternativen Vision von Tintoretto und den szenografischen Ideen von Serlio konfrontiert.
Der dritte Teil, „Kreativer Prozess: Erfindung und Wiederholung“, befasst sich mit Veroneses bildlicher Intelligenz und der Art und Weise, wie er eine der produktivsten und hochwertigsten Werkstätten seiner Zeit leitete.
Das vierte Modul, Allegorie und Mythologie, stellt seine herausragenden Leistungen auf zwei Gebieten heraus, die der Elite besonders am Herzen lagen: Allegorie und mythologische Fabel. Hier erwies er sich als der einzige Künstler, der in der Lage war, mit Tizian zu konkurrieren, was es ihm ermöglichte, dessen einflussreiche Kundschaft innerhalb und außerhalb Venedigs zu erben.
Der fünfte Bereich, „Der letzte Veronese“, befasst sich mit seinem letzten Jahrzehnt und zeigt instabile Kompositionen mit düstererer Farbgebung sowie einem gezielten und oft symbolischen Einsatz von Licht.
Die Ausstellung schließt mit einem Abschnitt, der seinem Erbe gewidmet ist: Haeredes Pauli und Veroneses Bewunderer wie El Greco, die Carracci und Peter Paul Rubens, aber sein Status als Maler der Maler
reichte bis ins 20. Jahrhundert und umfasst so unterschiedliche Künstler wie Velázquez, Tiepolo, Delacroix und Cézanne.
Die Ausstellung wurde gestern eröffnet und bleibt bis zum 21. September geöffnet.
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